音响中的专业名词和你所理解的是一回事吗？
空间感
在刚开始时只要喇叭放得有点距离，很容易就可以发现左右两个喇叭的讯号是不一样的（也许这太容易了）；动动喇叭或是为自己找个好位置后，似乎可以听出喇叭之间也有声音，而且这声音是从左喇叭连到右喇叭的，笔者把这种表现叫做「一维」的空间感。
如果把喇叭分得更开好不好呢？也许不错，这「一维」的空间感起码可以变宽点，但也可能拉得太开中间连不起来，出现一个大洞，这就有点可惜了：笔者的经验是这距离除了受房间的限制外，还有个「最佳」距离，可以让聆听者感受到最大的宽度；把左右两喇叭分得更开中间会有洞，摆近了宽度又缩水；如果到这个水平，我们就可以讨论「二维」的了。
坐在聆听点上看看，左右两喇叭是否对称？左右墙壁的反射情情况是不是差不多？两喇叭的角度如何？细调一番说不定会有「深度」的感觉出现。
现在听的可就不是长龙阵了，应该可以听出一个往喇叭后方延伸的「场」，这时便可以叫「二维」了。
「三维」？因为我们再往下追求的东西就不只是音场的厚度，而是整个音乐厅的空间感；这空间感不仅要找音场的坡度（管弦乐团在音乐厅里通常排列在阶梯状的舞台上，最后面的打击乐器比木管高些，而本营又比弦乐组高些……），还要找每一件乐器的高度（我就不相信大提琴发声时只有一个点出声，就连小提琴也是整支琴共鸣啊！），然后再去找整个音乐厅的侧墙、屋顶等等，这样才叫空间感。
层次感
前面讲空间感似乎说的都是音场外围，层次感可就要研究音场中各乐器的关系了。
首先必须要有足够的场深，这和前面说的「二维」意义有些出入；「二维」的音场是指在聆听处所能听到最远乐器的位置，如果拿管弦乐团来说，应该是指打击乐器位置；「场深」可就要再仔细听听乐团的第一排在那里，找出乐团的第一排和最后一排的「距离」，就是场深了。
这样讲也许还不够清楚。有的系统听起来最后一排非常的深远，但第一排也同样地遥不可及，这种音场虽然深，但以场深（也有人称此为纵深）来说则是非常浅了，因为乐团的第一排和最后一排感觉上距离很近。有的系统听起来最后一排不算很深，但乐团的第一排非常突出，甚至突出喇叭的面板，这样的场深就可以算是非常成功；如果能再把最后一排拉远，那就如于莞柳先生说的「参考级」了。
有了场深之后，进一步地要求音场中（乐团中）各乐器的相关距离正确：譬如找找木管和中提琴的相关距离如何？打击乐器有没有往前延伸到小提琴的最后一线？木管组里的几样乐器是排成一列还是有前后之分？
在笔者的想法中层次感应该是来自平整的频率响应（应该从带宽那项技一个箭头指向层次感才对）。请观察（似乎是听察）距离远的人声和距离近的人声什么不同；塞住一只耳朵，用一只耳朵可以保证自己听到的是「mono」，然后判断一下音源的距离远近；仍然相当容易吧！即使是远的人大声吼、近的人小声讲话（只要还能听到），也同样能判断远近，表示这和声音整体的大小声无关，而是距离远的声音被空气衰减了某些频率（通常越高频越会衰减），而距离近的声音衰减量较少，使得我们的耳朵可以利用泛音结构、音色来判断发声体的距离。（编按：判断距离的远近应该还和声音到达耳膜的时间差有关）
假设录音没问题，那么唱片上应该记载了各种乐器的音色加上空间所造成的音色变化，如果我们的系统有一个平整的频率响应，应该可以复制出这些音色变化，于是可以享受到层次感。
有些人赞成把音响系统中的高频弄少一点；的确，那样可能会比较悦耳，但也可能使得乐团的第一排听起来像最后一排一样远，损失了场深。
如果有某一两个频率有条值呢？那可能音场中乐器排列会有错乱的感觉，这样就享受不到层次感了。
定位感
有了层次感后，定位感也应该小有成就了，不过层次感在大编制的音乐里似乎比较容易找到，而定位感则要找些小编制的来听；当然反过来找也可以，笔者只是说那样比较容易罢了。
弦乐四重奏是个很好的材料。现在我们不只是要听声音，还要找那些声音在音场的「出处」。如何？四把琴都出现了吗？它们之间的距离如何？每一把琴的大小又是怎样的呢？
听定位就好像用耳朵来「看」整个音场屏幕一样，如果录音录得不错，应该是每一个音符都可以在音场中找到位置才对。
定位感还有一项严厉的要求，那就是比例；也许刚开始找定位感时，几支琴煳成一片，只可稍微办别小提琴在左边，低音大提琴在右边；细调一阵后发现它们越来越苗条，苗条得只剩弦了！真可怜，这样似乎不太健康；再细调一阵才发现原来琴身的共鸣也可以有定位，这样琴的身体就出来了，恢复了正常的体态。只是若要让几支琴的身体肥瘦比例正确，可还要多努力才行！
人声也是个调定位的好材料；可以很容易地听出音响系统左右平衡的情形。如果左右不平衡（不只是音量不平衡，音域不平衡也算）歌者可能会站歪了，或者是有一边脸比较肿，说不定还会让人觉得不是面对着聆听者而唱，好像吐气吐不出来或吐歪了；这时可要好好反省左右声道那里出毛病了。
老实说这些线索还是对玩LP的人比较有用，可以据此调整唱头的循轨角度、抗滑等等参数；CD如果听起来歪一边怎么办？明宪兄说他的CD雷射头歪了有此情形，换了雷射头后药到病除，看来雷射头以后也要像唱头一样可调才行。
讲起来喇叭的摆设也决定了定位感的表现，不但喇叭的内倾角（Toein）非常需要多方尝试，连仰角也要注意。由于一般对于仰角的处理较为困难，似乎很少人提到这方面。选用适当的势材可以粗略地调整仰角，但通常换了垫材（诸如三角锥、木块、瓷杯……等等）后角度又变了，这使得聆听者很难拿捏得准到底是材质的影响还是角度的影响。
细节
在前面的表里，笔者特别在定位感下面加了一个活弧，说明定位感是在找音场中的解析力，而细节则是指音符的解析力了。在笔者的观念里，这细节应该是充满在整个音乐理的微小变化；然而有很多系统中充满了细节，却一点也感觉不到这种「变化」，好像每一个细节都不互相连贯似的，这可不是笔者想要的那种。
音场
请回想一下现场音乐会的情形，每一个乐手或是歌者都有些小动作，例如运弓的声音、翻谱、换气，这些声响虽然不是音乐中的一部份，但绝对不突兀；或许应该说，一个训练有素的音乐家不可以让这些动作发出唐突的声响；那为什么有些音响系统特别容易找到这些声响却找不到音乐呢？
这样说也许是太极端了，细节当然是愈多愈好，那有嫌多的道理，只是笔者认为追求细节应该以追求「音乐中的细节」为目标，而不是光追求细节，说不定前面表里的名词也要改改才好？
我急奢想要得到一个名词来分别这两种细节的不同……对了！自然！
自然似乎离我们还蛮远的，我们还是谈解析力吧！
解析力
一个真正有解折力的音响系统，似乎是集合定位感和细节两项特质的，不但听到了，还可以找到它的位置！诸如音色上的波动、音量上的微小变动；往这方面发展才有可能到逵活生感的要求。
透明度
透明度可以说是所有音场中极致表现之集大成了，老实说我不应该在乎细节是否有音乐性，因为音乐性似乎不必是透明度的成份之一，只要Hi-Fi，透明度就应该有了，但音乐性的程度可就高多了，它应该放在最高层来探讨。
把音响器材想象成一个窗子，有玻璃，玻璃可能还不太干净，有油，我们看到外面的景像是一片朦眬；慢慢地，我们擦玻璃，把油擦掉一些，这情况有了改善，但绝不是一下就非常干净，即使擦干净了，还是可以看出有玻璃，我们的最终目的是要把玻璃拿掉。
透明度可以到什么地步呢？笔者认为上乘的透明感可以表达歌者的身体厚度，木管组内各乐器的前后距离，甚至把各乐器表现得有血有肉，乐器和乐器之间的「空间」也毫不含煳，都「看」得到！
带宽
这个名词蛮值得讨论的，我觉得这绝不是光看规格上数据就算数了；当然数据也代表了某种重要性，但最重要的还是「听得到」！
老实说这项要求最重要的不在「r多」，而在「好」；因为人耳实在听不了多宽，但却对每一个环节都非常挑。扩大机的设计者可以很容易地运用负回授使带宽延伸到几百K：低频也可以做到5～10Hz，甚至连直流（OHz）都可以放大，但人们觉得低频真正好的机器却寥寥可数，真是奇怪！
动态＆对比
这两样东西好像常放在一起，但又不太一样，所以我特别把它们分开，希望这样能清楚一点。
在我的想法里，动态是指绝对值，而对比是相对值；动态似乎只有大小之别，而对比才有好坏分别。
怎么说呢？
在外国的文章里，有时会提到「可以提供像现场那样庞大的音量」，我想，这是指动态；意思是某件器材可以发出那样的音量或是能量而不失真，这是很了不起的，但对比就完全不是那么回事；它似乎跟细节比较有关系，就好像一幅很好的水墨画，可以看到很多不同的浓澹深浅，而初学国画的就只能用黑色和白色了，一点变化都没有。
一致性
请再参照树枝图，读者也许会发现带宽，透明度以及动态和对比都指向一致性，而在前面却没有解释此三者到底是要到什么地步，那怎么知道如何往上发展？我想这三者是最容易发现，而又最难完美的；「发现」的意思是「知道它的存在」；我们很容易就可以找到某种垫材有对比、有透明度，或是某种线带宽特佳，还是那一个真空管动态大；但它们真的是一种进步吗？这就要看有没有一致性了。
带宽也要有一致性？我觉得好的系统应该能展现出各频段一致的量感及一致的速度感；当然带宽是越宽越好，但如果不以一致性为追求目标，再宽也是白搭；如果频宽普通，但有非常好的平衡性，那听起来一定是非常舒服，倒是一般的音响迷都是先求带宽，再求一致，甚至不求；可能是一致性真的相当难吧！？
透明度呢？它也跟一致性有关，好像有的器材只在某一频段有透明度，其他频段则灰灰的，这就是缺乏一致性了，我们当然希望能得到全面的透明，但这似乎很难得到，于是我们努力调整、搭配，希望能扩大这透明的部份。
动态与对比的一致可就更累了，有没有听过衔接不良的超低音系统？很可能是中高频段和低音的对比不同，使得听起来非常奇怪，好像超低音总是慢半拍似的，这在一致性上又是不及格！
中性
也许世界上根本没有中性这种东西；每个人都希望自己的系统中性，那什么才是中性？
没关系，到此，我们已经是Hi-End了，不必太在乎谁是谁非，我们在追求的是一种艺术；但千万不要太早开始追求艺术，那样很可能会迷失方向；当我们什么都模过一点皮毛后，再来看看什么是中性。
中性绝不是毫无血色，也不是冷感症，在我想来，它应该是「忠实」，能传达录音现场当时麦克风摆设的情形，可以表现出工作人员的水平，可以听到厅堂的差别，可以……我要辞穷了……可以表现出种种的「不同」！
现场音乐
我实在没办法说什么是自然，什么又是音色，让我们来讨论现场的感觉吧！
现场就有自然的感觉，它让人觉得就该如此。对不起，我是以音响迷的眼光来看的，事实上它本来就这样自然，是我们的器材达不到这种地步，我也不知道要怎样才会有自然的系统，可能是某些器材才有的特殊魅力吧！一般说来真空管扩大机似乎比晶体机要自然些，LP比CD自然，最重要的是要常接触现场，那才是真正的自然！
音色也没什么好讲的，每个人都有自己喜欢的音色！只要一步步追求音响性和音乐性，音色应该不至于离谱；但我也发现音色是最难沟通的，如果同好之间互相不喜欢对方的音色，绝对正常！
结论
这一套名词解释还有很多缺漏，有待加强，但起码可以有个依循的方向，看官也可以自己想出一套追求的步骤，这是不是又可以成为另一次思考练习？
别忘了要常常回顾以前追求过的项目，我们这儿是没有「不吃回头草」这种禁忌的，事实上我每次回顾以往，都会发现更多好东西，所谓温故而知新，正是如此！
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